연극이란 무엇입니까? (소개)

연극은 문학, 음악, 무용, 예술 등의 수단을 통해 무대 예술 이미지를 형성하고, 사회적 갈등을 드러내며, 현실 생활을 반영하는 종합 무대 예술이다.

연극에는 여러 종류가 있다. 공연 형식에 따라 연극, 오페라, 발레, 오페라 등으로 나눌 수 있다. 연극은 주로' 천둥과 번개' 와 같은 대화를 위주로 한다. 오페라는' 백모녀',' 투란도' 와 같은 가창공을 위주로 한다. 춤극은 주로 춤을 위주로 한다. 예를 들면 실크로드 꽃비와 같다. 희곡은 쿤곡, 경극, 각종 지방극을 포함한 전통적인 연극 형식으로, 가무를 주요 표현 수단으로 삼는다. 줄거리의 복잡성과 구조에 따라 연극은 전극과 단막극으로 나눌 수 있다. 연극은 소재가 반영한 시대에 따라 사극과 현대극으로 나눌 수 있다. 또한 갈등의 성격과 표현에 따라 희극은 희극, 비극, 연극으로 나눌 수 있다. 연극은 비극과 희극 요소를 겸비하여 동서고금을 막론하고 연극 작품에서 차지하는 비중이 가장 크다.

극본은 무대 공연의 기초이자 근거이며 연극의 주요 구성 요소로서 연극의 사상성과 예술성을 직접 결정한다. 스크립트에는 일반적으로 다음과 같은 특징이 있습니다.

1. 날카로운 갈등과 갈등, 즉 극적인 충돌이 있습니다.

연극 충돌은 인물의 성격 특징을 드러내고 줄거리 발전을 촉진하며 작품의 주제를 드러낸다. 연극 충돌의 발전 변화는 극본의 줄거리 구조를 구성한다. 한 극본의 줄거리 구조는 일반적으로 시작, 발전, 고조, 결말의 네 부분으로 나눌 수 있으며, 어떤 장편극은 서막과 결말이 있다.

2, 주로 캐릭터의 언어 (대화, 가사, 독백, 내레이터) 와 동작을 이용하여 인물을 형성한다.

인물의 언어와 동작은 모두 고도로 개인화되어 각자의 신분과 성격 특징에 부합한다.

3, 무대 공연에 적합:

사람, 일, 시간, 땅이 고도로 집중되다. 너무 많은 사람, 너무 많은 사건, 너무 많은 장면을 가지지 마라.

4. 단계 설명이 있습니다.

무대 설명은 인물, 시간, 장소, 의류, 소품, 세트, 표정, 동작, 공연 등을 포함한 각 (또는 필드) 의 시작, 끝 및 대화에 기록됩니다. 1 연극 팁 연극 동작: (연극의 동작) 연극예술의 기본 표현 수단으로, 공연예술에서는 무대 동작이라고도 한다.

아리스토텔레스는' 시학' 에서 동작을 연극의 특수한 표현 수단으로 여긴다. 그는 연극 모방의 대상 (내용) 이 동작이고 모방의 방식이 동작이라고 지적했다. 공연의 내용을 보면 연극은 동작의 예술이다. 표현 수단으로 볼 때 연극은 행동의 예술이다. 연극은 행동으로 사람의 행동을 모방하거나,' 행동 중인 사람' 을 모방하는 것이다. 아리스토텔레스가 말했듯이, 행동은 연극의 법칙이다.

연극 동작은 표현 수단으로서 생활에서 비롯되지만, 생활 속의 동작과 동등하지 않다. 액션, 생활 언어로서, 사람의 행동이나 신체 활동을 가리킨다. 연극 예술에서 이른바 동작에는 신체 활동도 포함되며, 일반적으로 외부 동작과 신체 동작이라고 한다. 그러나 연극 동작의 의미에는 무형의 활동도 포함된다.

H. 베이커는 동작을 두 가지 범주로 나눕니다: 외부 동작과 내부 활동, 그리고 다음 다섯 가지 범주로 나눕니다: 1, 순수 외부 동작; 성격 행동; 이야기의 발전을 돕고 이야기의 행동을 설명하십시오. 4. 내심 행동 5, 정적 동작.

J.H. 로슨은 연극에서 말하는 것도 일종의 동작이라고 생각한다.

연극 동작의 실제 완성 방식은 외체 동작, 언어 동작, 정적 동작으로 나눌 수 있다고 생각하는 사람들도 있다.

외체 동작은 관중이 직접 볼 수 있는 동작 방식이다. 연설 동작은 대화, 독백, 서술 등을 가리킨다. 정적 동작, 일명 멈춤, 침묵 등. 극 중 인물은 뚜렷한 몸동작도 대사도 없이 겉으로는 정지된 상태다.,,,,,,,,,,,,,,,,,,,, 。 하나의 행동 방식으로 여겨지는 것은 캐릭터가 정지된 순간에 풍부한 내면활동을 가지고 있고, 배우들의 손짓과 표정을 통해 시청자들에게 자신의 내면활동을 전하기 때문이다.

완전한 연극 동작은 무엇을 하는지, 왜 하는지, 어떻게 하는지, 무엇을 하는지, 동작의 내용을 가리킨다. 왜 해야 하는지 행동의 심리적 동기를 말한다. 어떻게 하는지 구체적인 행동 방식을 가리킨다. 그중에서도 왜 하는 것과 어떻게 하는 것이 밀접한 관련이 있는지 전자는 후자를 제한한다. 극본에서 극작가의 힌트는 일반적으로 무엇을 하는 것일 뿐이다. 동작을 완성하기 위해서는 먼저 자신이 왜 이렇게 해야 하는지 (구체적인 심리적 동기) 를 파악한 다음 구체적인 동작 패턴을 확립해야 한다. 마찬가지로, 인물의 모든 대사 (언어동작) 는 무슨 말을 하는지, 왜 말하는지, 어떻게 말하는지 분해할 수 있다.

연극 동작은 처음부터 직관적이었다. 연극은 바로 동작을 통해 인물의 행동, 사건, 갈등의 발전을 관객들에게 시각적으로 표현한 것이다. 동시에 극적인 행동이 밝혀지고 있다. 연극에서 인물 자체의 심리활동은 직관이 아니며, 각종 동작은 모두 직관이 아닌 심리적 내용의 표상이다.

모든 극적인 행동에는 내인과 외인이 있다. 행동의 내부 원인은 행위자의 심리적 동기이다. 행동의 외부 원인은 객관적인 상황이다. 상황이 캐릭터를 형성하여 그 (또는 그녀) 가 동작을 하기 전에 특정 심리적 내용을 생성하도록 했다. 따라서 모든 완전한 연극 동작에는 외부-내부-외부 과정이 포함됩니다. 행동의 내부 및 외부 원인을 표시함으로써 만. 관중들은 이 동작의 의미를 이해할 것이다.

로슨은 "기동성" 은 연극 동작의 중요한 특징이다. 이른바' 유동성' 이란 인과연속성, 즉 한 동작이 다른 동작에서 유래하면서 동시에 다른 동작을 일으키는 것을 말한다. 각 연극 장면은 인과가 같고 지속 가능한 액션 시스템으로 구성되어 있다.

현대 연극은 몇 가지 새로운 동작 요소를 제공하는데, 그중 가장 표현력이 뛰어난 것은 소리이다. 소리는 원래 연극에서 동작의 보조성분이었거나, 동작을 재현하는 데 사용되었거나, 인물의 내면의 감정을 부각시키는 데 사용되었다. 하지만 행동의 요소가 될 수도 있습니다. 또는 갈등의 상징적인 표현이나 인물의 내면활동의 직관적인 표상이다.

연극 줄거리: 연극 작품의 구성 요소 중 하나. 일반적으로 작품 속 인물과 인물, 인물과 환경의 다양한 관계로 구성된 생활사건과 갈등의 발전 과정을 말한다.

연극의 줄거리는 연속 장면으로 구성되어 있다. 장면은 줄거리 발전의 기본 단위이며, 줄거리는 장면의 2 차 이동에 따라 발전한다.

이 연극의 줄거리는 단서로 가득 차 있다. 단서는 줄거리 발전 과정의 단서와 맥락이므로 줄거리선이라고도 한다. 줄거리가 간단한 작품은 단선으로 발전할 수 있다. 줄거리가 복잡한 작품은 두 줄 이상으로 전개할 수 있다. 후자의 단서는 두 부분으로 나뉘는데, 주선은 주요 인물의 활동에 따라 전체 국면을 관통하는 줄거리선이다. 다른 캐릭터의 활동에 따라 발전하는 분기 줄거리를 안내선이라고 합니다. 부선은 주선과 유기적 관계를 형성하여 주선을 두드러지게 하는 역할을 해야 한다. 단서도 분명 어둡다. 인물 자체의 동작을 통해 무대에 직접 드러난 줄거리선이 바로 명선이다. 인물이 간접적으로 소개하고 설명하는 막후 활동의 줄거리선은 어두운 선이다. 메인 라인은 일반적으로 분명하지만 메인 라인으로 어두운 라인도 있습니다.

인물의 행동과 발전은 연극 줄거리의 외적 형태이다. 인물 행동의 동기와 발전은 연극 줄거리의 잠재적 동력이다. 그래서 한 편의 극의 줄거리는 의도, 의도를 맞히는 수단, 그리고 이런 수단의 결말로 구성되어 있다고 생각하는 사람들도 있다. 각기 다른 스타일의 연극에서는 액션의 외적 힘 (예: 시트콤) 을 중시하고, 어떤 것은 심리의 깊이 (예: 심리극) 를 중시한다.

연극 줄거리가 작품에서 가장 중요한 역할은 인물의 성격을 보여주는 것이다. 한편, 연극 줄거리 자체는 상대적으로 독립된 예술적 효능과 미적 가치를 지니고 있어 관객을 끌어들이고 즐겁게 할 수 있다. 연극 창작에서 줄거리를 소홀히 해서는 안 되고, 작품에 흥미 진진한 예술적 힘이 부족하게 하고, 단순히 줄거리를 추구해서는 안 되며, 인물을 물에 잠기고, 작품에 사상 깊이가 부족하게 해서는 안 된다. 거스는 연극을' 엄청난 사상 깊이와 자각의 역사적 내용, 셰익스피어 연극 줄거리의 생동감과 풍부함의 완벽한 조화' 를 요구했다. "

연극 상황: 연극 작품의 요소 중 하나. 연극에서 주제를 표현하는 데 사용되는 줄거리와 정경. 18 세기 프랑스 미술가, 연극 이론가 디드로는 과거 희극에서 인격이 주요 대상이라고 지적했다. 심각한 연극에서는 상황이 주요 대상이어야 한다. 연극 작품의 기초는 마땅히 상황이어야 한다. 독일 미술학자 헤겔은 상황을 각종 예술의 동일한 대상으로 여기지만, 예술마다 요구 사항이 다르다. 연극의 특징을 논술할 때, 상황과 충돌 동작을 연결시켜 완전한 콘텐츠 체계를 형성한다. 현대 연극 이론에서, 어떤 사람들은 상황을 연극의 본질로 더 보고 있다. 마틴? Ashiling 은 연극이 인간의 실제 행동에 대한 가장 구체적인 (즉, 가장 추상적인) 모방일 뿐만 아니라, 우리가 사람들의 다양한 상황을 상상하는데 사용하는 가장 구체적인 형태라고 생각한다. 그가 보기에 극장은 특정 상황에서 인간의 행동을 테스트하는 실험실이다. 대부분의 연극 작품의 전제는' 만약?' 이다. " 그는 이런 식으로 연극 예술의 본질을 요약했다. 현대 연극의 일부 유파들도 상황의 가치를 매우 중시한다. 실존주의 연극가 사트는 이른바' 상황극' 을 제창하며 "상황이 우리 머리 속의 모든 것보다 중요하다" 고 강조했다. 그의 극작에서 기본 내용은 인물의 상황에서의' 선택' 으로 실존주의의 철학 이념을 예술적으로 표현한 것이다.

연극 시나리오는 연극 작품의 기초로 극중 인물 활동의 특정 시공간적 환경이라는 세 가지 요소로 구성되어 있다. 캐릭터 이벤트에 영향을 미치는 특정 환경 사람과 사람 사이에는 질적인 관계가 있다. 일반적으로, 각종 요소 중에서 가장 중요하고 활기찬 요소는 사람과 사람 사이의 관계이다.

연극 작품에서 연극 상황의 중요성은 주로 1 으로 표현된다. 상황을 객관적인 원동력으로 인물의 심리활동을 구체적인 동기로 응결시켜 구체적인 행동을 초래하는 것은 인물 행동의 외인이다. 2. 드라마 갈등의 폭발과 발전의 기초이자 조건이다. 소위' 근거' 란 상황에 포함된 인물 간의 갈등 관계를 의미하고,' 조건' 이란 각종 사건을 가리킨다. 3. 드라마 줄거리의 기초이며, 사건과 인물의 상호 작용이 인물의 동작을 촉진시켜 줄거리의 발전을 형성한다. 4. 문자 표시 조건입니다. 연극작품에서 인물의 성격을 표현하는 기본 방식은 인물을 특정 상황에 배치하고 캐릭터에 충분한 조건과 자극을 주어 그 (또는 그녀) 가 행동을 통해 자신의 성격을 표현하게 하는 것이다.

규정 상황' 은 배우 공연 예술의 한 용어이다. 배우가 역할을 할 때, 그가 맡은 역할을 체험하고 표현해야 한다. 일반적으로 그는 상황 속의 인물을 경험하고 표현해야 한다. 푸쉬킨은 극작가의 요구를' 열정적인 진실과 가설 상황 속의 감정의 충실함' 이라는 말로 속였다. " 스타니스라프스키는 배우에 대한 요구가 완전히 이 물건이라고 생각한다. 배우에게 극본에는 이미 상황이 정해져 있기 때문에 스타니스라프스키는 이를' 규정 상황' 이라고 부른다. 그가 보기에 배우가 캐릭터를 만들 때 직면한' 규정 시나리오' 에는 더 넓은 내용이 담겨 있다. "대본의 줄거리, 극본의 사실, 사건, 시대, 줄거리가 발생한 시간, 장소, 생활환경, 우리 배우와 감독의 대본에 대한 이해, 자신의 보완, 액션 디자인, 공연, 미술 디자인 세트 및 의상, 소품, 조명, 오디오, 그리고 배우가 창작할 때 주의해야 한다 여기에 언급된 것은 배우가 캐릭터를 만들 때 주의해야 할 거의 모든 조건을 다루고 있다. 배우가 캐릭터를 형성할 때의 기본 임무는' 규정된 시나리오' 를 찾아 판단하고 캐릭터의' 위치 설정' 을 경험하는 것이다. 유기적인 행동 과정과 행동 시스템을 통해' 전형적인 환경의 전형적인 성격' 을 보여준다.

관객의 연극에 대한 감상도 상황과 밀접한 관련이 있다. 한 편의 극 공연 과정에서 배우는 특정 상황에서 특정 인물을 체험하고 표현하며, 관객은 인물이 처한 상황을 느꼈다. 극 중 인물에 대한' 처신' 체험을 통해 배우의 연기에 대한 심미감각과 판단을 내려 캐릭터와 * * * 소리를 낸다. 이런 상황에서 시나리오는 관객과 극중 인물 합창의 매개체이자 인물에 대한 심미 판단의 전제조건이다.

극적인: 작품에서 극적인 특징의 구체적인 표현. 주로 가정 상황에서 인물 심리의 직관적인 모습을 가리킨다. 넓은 의미에서, 그것은 미학의 일반적인 범주이다.

희극성이란 인물의 내면활동 (사상 감정 의지 등 심리적 요인) 이 외적 동작 대사 표정을 통해 직접 드러나 관객의 감각에 호소하는 것을 말한다. 연극 작품에서 인물의 심리활동은 상황의 조절과 제약을 받는 반면, 상황은 심리적 직감, 행동의 수단으로도 전제가 된다. 구체적인 상황-구체적인 심리적 내용-구체적인 행동, 이것은 연극 작품에 반영된 인과사슬이다. 동시에, 연극에서, 각 상황마다 다른 정도의 가설이 있다. 그에 상응하는' 가정 상황' 도 일종의 연극 내포가 되어야 한다.

사람들은 연극에 대해 이야기할 때 종종 우연성, 우연성, 융합성 등의 현상을 포함한다. 특히 사람들이 이 개념을 생활 언어로 삼을 때, 흔히 이런 의미, 즉 연극의 본의와 외의를 가리킨다.

연극 이론가들은 연극의 특성에 대해 서로 다른 견해를 가지고 있기 때문에, 그들은 연극에 대해 서로 다른 해석을 가지고 있다. 요약하면 다음과 같은 점이 있습니다.

1, 연극과 충돌을 연결시켜 극이 긴장한 갈등과 충돌에 있다고 생각하는데, 이른바' 충돌 없이는 연극이 없다' 는 것은 이런 관점의 통속적인 표현이다.

2. 희극성은 연극작품 속 인물들 간의 상호 영향과 경쟁에 있다. 슐레겔은 이미 이 관점을 분명히 표명했다.

3. 연극과 소설, 서정시의 차이 각도에서 연극의 특징을 탐구하고 이를 바탕으로 연극에 정의를 내린다. 독일 극작가와 이론가 프라이타그 (Freitag) 는 연극을 의지와 행동으로 응결된 내면 활동, 그리고 자신과 다른 사람의 행동이 머리 속에 미치는 영향이라고 본다. 연극의 의미를 파악하기가 어렵기 때문에, 어떤 사람들은 연극 공연 효과의 관점에서 해석하였다. 예를 들어 윌리엄. 아처는 연극이 허구적인 인물의 연기에 있어서 극장에 모인 일반 관객을 놀라게 할 수 있다고 생각한다. 미국 연극 이론가 조지? 베이커는 이를 감정 채널을 통해 일반 관객이 허구 인물의 공연에 흥미를 가지게 하는 것으로 정의했다.

드라마 서스펜스: (연극에 매달려 있음) 드라마 작가 용어, 일명' 긴장'. 작가나 감독은 관객이 연극을 볼 때 감정이 늘어나야 하는 심리적 특징에 따라 미정되고 결말이 예측할 수 없는 줄거리를 배치해 결과에 대한 열렬한 기대를 불러일으키고 있다. (윌리엄 셰익스피어, 윈스턴, 연출, 연출, 연출, 연출, 연출, 연출, 연출) 그것은 줄거리를 흥미진진하게 만들고, 관중 연극 창작에 대한 흥미를 유지하고 지속적으로 증강시키는 주요 방법이다.

연극 서스펜스는 사람들의 심리적으로 계속되는 의심과 불안으로 인한 기대심리에서 비롯된다. 아리스토텔레스의' 시학' 은 서구 시나리오 작가 이론 중 첫 번째 서스펜스와 관련된 작품이다. 비록 중국의 희곡 이론 저작에는 서스펜스가 없지만, 이어는' 마음에 드는 사랑' 의 사곡 구조 장에서' 악악' 을 요구하는데, 기본적으로 서스펜스 내포와 비슷하다.' 아래는 파악하기 어렵고, 어떻게 될지 모르겠다' 고 생각한다.

드라마 서스펜스의 구성은 주로 다음과 같은 조건에 달려 있습니다.

1, 캐릭터의 운명은 위기를 잠복하고 있다.

2. 삶과 죽음, 성공과 실패는 모두 가능하다. 두 가지 운명, 두 가지 결말이 있다.

3. 세력이 균등하게 일치하는 충돌은 반드시 결과가 있을 것이다.

4. 극 중 주요 인물의 성격과 동작은 관객들의 정서적 사랑을 불러일으킬 수 있다.

관객은 미래의 발전 추세를 잘 알고 있습니다. 논리의 줄거리 발전과 인물에 대한 강한 사랑과 증오는 서스펜스의 두 가지 중요한 요소이다.

극본에서 서스펜스의 운용은 일반적으로 두 가지 범주로 나뉜다.

1, 항상 서스펜스와 작은 서스펜스. 전체 서스펜스 및 홈 장면의 작은 장력 패턴이라고도 합니다. 총서스펜스는 전극의 주요 충돌의 초점이며, 극본 시작부터 제기해야 하며, 충돌이 상승함에 따라 고조까지 강화되어야 한다. 전극 연극 구조를 관통하는 감정적 기둥이다. 작은 서스펜스는 극본의 각 발전 단락이나 주요 장면의 국부적인 장력에 속하며, 각 장면이나 장면의 끝에서 청중의 주의력과 흥미를 다음 장면이나 장면으로 끌어들이는 역할을 한다.

서스펜스와 갑작스런 서스펜스를 기대합니다. 기대서스펜스는 관객의 비밀을 지키지 않는 기초 위에 세워진 것으로, 운명과 사태의 발전에 대한 어떤 예감과 이해에 대한 기대이다. 돌발적인 서스펜스는 주로 관중을 비밀로 하여 관객을 놀라게 함으로써 연극 효과를 증강시킨다. 줄거리 발전에서 예상치 못한 도리에 어긋나는 복잡한 국면과 위험한 전환으로 사고나 놀라움이라고도 한다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 지혜명언)

실제 창작에서, 서로 다른 스타일과 유형의 극본이 이 두 가지 서스펜스를 운용하는 방식이 다르다. 캐릭터 묘사에주의를 기울이고 서스펜스를 사용하십시오. 에피소드식 연극은 더 많은 돌발 서스펜스를 사용한다. 실제 응용에서는 둘 사이에 상보성 관계가 있다. 일반적으로 작가는 항상 예상되는 서스펜스를 통해 관중의 감정을 유지하고, 돌발적인 서스펜스를 통해 연극 줄거리와 관중 정서의 기복을 일으켜 갈등의 긴장을 더욱 강화시킨다.

서스펜스의 형성, 유지 및 강화는' 억제' 와' 지연' 의 예술적 수법에 의존해야 하는데, 일부 연극 이론은' 지연' 또는' 완화' 라고도 불린다. 저자는 갈등이 첨예하고 줄거리가 긴장되는 과정에서 갈등 쌍방의 다양한 조건과 요소를 이용해 하나의 줄거리나 가장자리에 삽입된 장면으로 충돌과 연극 상황을 억압하거나 방해하며 일시적인 표면 온정을 만들어내지만 실제로는 갈등의 첨예성과 줄거리의 긴장성을 강화해 시청자들의 기대심리를 강화시킨다는 뜻이다. 전술을 미루는 또 다른 방법은 갈등의 긴장한 순간에 갑자기 끝내는 것이다. 앞으로 어떤 일이 일어날지 궁금하게 하고, 다음 분해의 서스펜스와 간격을 들어 예술적 효과를 크게 높이는 것이다.

서스펜스와 지연 교체의 형식은 관객이 연극을 볼 때의 심리적 감당 한계와 관련이 있다. 계속되는 긴장은 관객을 지치게 할 뿐, 일시적인 완화는 자신의 감정을 조절하고 더 긴장할 준비를 하는 것이다.

사회생활이 복잡하게 얽혀 있고, 모순의 발전은 여러 가지 요인의 영향과 제약에 의해 필연적으로 우여곡절, 진퇴, 예상치 못한 변화가 일어날 것이다. 연극이 서스펜스를 어떻게 배치하는지 알기 위해서는 먼저 생활 속 사물의 발전 법칙에 익숙해야 한다. 연극의 미스터리한 심미적 가치는 생활 발전 법칙과 인물 발전 논리에 부합하는가에 있다.

극본: (Play-Script) 1 인칭 내레이터를 위주로 스토리를 표현하는 문학 문체로 연극 공연의 서면 근거다. 문학 분야에서는 문학 작품의 특수한 장르이며, 연극 실천 분야에서는 연극 활동의 기초이자 출발점이다.

극본은 주로 극중 인물의 대화, 독백, 내레이터, 무대 지시로 구성되어 있다. 대화, 독백, 내레이터는 모두 일인칭 내레이터를 사용하지만, 오페라에서는 보통 가사로 표현한다. 극본 속 무대 설명은 극작가의 말투로 쓴 서술적인 묘사로 극작가 발생 시기, 장소에 대한 설명, 극중 인물의 이미지 특징, 몸짓, 내면 활동에 대한 설명, 장면, 분위기에 대한 설명, 세트, 조명, 음향에 대한 요구 등을 포함한다.

연극 발전사에서 극본의 출현은 대체로 연극이 정식으로 형성되고 성숙할 때이다. 고대 그리스의 비극은 최초의 주신식에서 완전한 공연 예술로 발전하여 근본적으로 대량의 비극 극본의 출현을 상징한다. 중국 송원 시대의 희곡, 연극은 중국 연극이 성숙해지는 가장 확실한 증거이다. 인도와 일본 고전 드라마의 성숙도 대대로 전해 내려오는 극본으로 표기되어 있다. 그러나 일부 성숙한 연극 형식은 대본이 없는 것도 있다. 예를 들면 고대 그리스 로마의 코믹한 이야기, 이탈리아의 초기 즉흥 코미디, 일본 가부키의 구두극, 중국 당대의 가무소품과 코믹한 소품, 현대의 마임 등이 있다. 이런 연극의 공연은 때때로 불문한 줄거리 단서를 기초로 하고, 때로는 서면 줄거리 총결산이 있어 장면의 대략적인 상황을 개략적인 형식으로 묘사한다. (윌리엄 셰익스피어, 윈스턴, 연출, 연출, 연출, 연출, 연출, 연출) 이 줄거리의 개요를' 막표' 라고 한다. 이탈리아의 즉흥 코미디와 중국의 초기 연극 (신작) 은 막제 공연을 많이 채택한다. 스크린은 엄격한 의미의 극본이 아니다.

주로 문학성을 추구하는 극본이 있는데, 공연을 목적으로 하지 않거나 공연에 적합하지 않아' 안건극',' 서재극' 이라고 불린다. 19 세기 유럽의 낭만주의자들은 연극 형식으로 많은 시를 썼는데, 이 시들은 단지 사람들이 읽을 수 있는 것이다. 극본 창작은 연극 공연의 문학적 기초로 문학성과 무대성의 관계를 잘 처리하여 공연을 목적으로 하고 귀착해야 한다.

실제 공연에서 일부 감독은 공연의 필요에 따라 작가가 쓴 극본을 적절히 처리해 공연을 위해 특별히 쓴 공연본, 즉 대본이라고도 한다. 공연본은 일반적으로 원본 극본의 정신적 본질과 예술적 풍격을 바꾸지 않는다.